Fanny Menceur

COLCHIQUE DANS LES VILLES // Article paru dans Standard n°28 spécial Campagne // juillet-août-septembre 2010

2010-07-26T11:09:00.003+02:00

Coton, paille et petites fleurs : jusqu’à quand Belle des Champs va-t-elle s’épanouir sans votre garde-robe ?

Une embellie rustique sillonne les paysages ensoleillés de la mode. Les rayons de la célébration de la néo-fermière à la sensualité hamiltonienne darderont-ils après l’été ? En octobre dernier, les bergères coiffées d’épis de blé argentés et chaussées de sabots fleuris sous la gigantesque ferme en bois du XVIIIe siècle du défilé printemps été de la maison Chanel auront le mieux exprimé cette tournure arcadienne, et donné le la bucolique à bon nombre de créateurs. Louis Vuitton pare les sabots de talons vertigineux, la paille est tissée en panier de luxe chez Dolce & Gabbana, les écussons fruitiers quittent les toiles cirées pour égayer les longs jupons d’Yves Saint-Laurent et les espadrilles de Robert Clergerie foulent d’un pas léger le macadam urbain. Et les pièces estivales aux motifs floraux se déclinant en bouquets de roses sauvages ou en Liberty plus sage se comptent en aussi grand nombre que des pétales de marguerite dans un pré sauvage. Même si le but n’est pas de nous abreuver d’un énième revival baba-cool, les silhouettes en crochet de coton délicatement garni d’imprimés ingénus poussent parfois le thème pastoral un peu loin dans la caricature (même la punk Vivienne Westwood y est allé de son total look champêtre). La raison ? La mort du faste et du clinquant qui redirige notre attention sur les valeurs fondamentales que sont la nature et la tradition.

UTOPIES PAYSANNES
Fashion conséquence de la crise : en recourant au folklore caractérisé par l'idéalisation de l’imaginaire rural et un certain sens de la moralité qu'incarnerait le paysan dans son rapport à la terre, l’esthétisme champêtre s’oppose à l’artifice et à l’ostentation de la décénie qui s’achève. Ainsi, le retour du sabot, symbole de la paysannerie laborieuse promue it-shoe de l’été, nous est imposé comme contre poids au contexte économique. « Le recours aux clichés rustiques permet de conjurer le malaise collectif actuel » expliquent Sylvie Thévenet, chargée de recherche et Elisabeth Dard, directrice de la mode au bureau de tendance Peclers. Mais cette mode gorgée de romantisme rousseauiste amorce-t-elle véritablement un retour aux sources ?
Ces codes vestimentaires campagnards s’apparentent à une entreprise de séduction qui repose sur la croyance ébranlable du paysan qui fleure bon une authenticité qui n’existe plus en dehors de sa portée symbolique. « L’inspiration campagne dans laquelle nous baignons est fantasmée, elle ne correspond aucunement à la réalité de la vie et des habitudes vestimentaires du monde rural d’aujourd’hui, observe Elisabeth Dard. Ce qui nous inspire, c’est la richesse des utopies paysannes d’où quelle vienne et l’idée de valeurs d’antan où l’homme vivait en harmonie avec la nature ». La parure Belle des Champs vise à nous éloigner, du moins pour un temps, de l’image de la consommation irraisonnée. Un refuge au bord des sentiers battus d’un territoire sans repère.

NAPOLEON A LA CONQUETE DE L’AMERIQUE
Cette rassurante floraison devrait continuer l’été prochain poursuit Elisabeth Dard : « Nous travaillons à partir des codes vestimentaires ruraux des immigrés européens s’installant en Amérique à la fin du XIXe siècle. Ceux qui sont à l’origine de l’American Folk Art. Cette inspiration a des chances de durer plusieurs saisons. Elle sera réinterprétée avec plus de twist et de décalage, avec toujours la poésie et la légèreté comme éléments fédérateurs de cette tendance ». Les germes de ce qui constituera notre champ automnal, inspiré de l’art américain populaire rural et naïf, ont donc été semés il y a cent ans.
D’accord sur le fair que ces valeurs « ADN de notre patrimoine », ne perdront pas pour le saisons à venir « cet impact floral et poétique », Corrine Denis DA du bureau de conseil en mode Martine Leherpeur et professeur à l’Institut français de la mode, pense qu’elles seront « travaillées sur un mode plus boudoir avec des fleurs esprit Napoléon ». Napoléon mêlé à la conquête de l’Amérique ? Laissons la mode de l’été 2011 réinventer l’Histoire puisque « la vérité historique est souvent une fable convenue », selon l’Homme du bicorne.

F.M

CIBELLE // Article paru dans Standard n°28 spécial Gossips, Stars & People // avril-mai-juin 2010

2010-05-03T17:51:00.011+02:00

Fantaisiste héritière du mouvement tropicaliste, la Brésilienne Cibelle, 32 ans, rend hommage à l’exotica des années 50 avec le joyeux Las Vênus Resort Palace Hotel, entre orchestration pop et reprises pacifiques.

D’où vient l’idée d’un album concept autour de l’apocalypse sur fond d’exotica ?
Cibelle : Je ne le qualifierais pas d’album concept. C’est un disque épique avec de l’humour et des images bariolées, un hôtel glauque comme on en trouve aux abords de Las Vegas, des singes et des femmes kitsch et clinquantes comme dans les soap operas américains des années 80. Je n’ai pas peur de paraître ridicule, la grandiloquence a du bon. Ça permet de raconter de petites histoires construites autour d’un décor et d’une atmosphère.
Le nouveau Gorillaz, Plastic Beach, surfe sur la même idée : après la fin du monde, le groupe se serait réfugié sur une île en plastique au fin fond du Pacifique sud.
[Surprise] Ah vraiment ? C’est un sujet tellement à la mode. J’ai voulu donner une version fun de la fin des temps.
Tu dis avoir « exploré l’univers de l’exotica pour répondre aux préjugés qu’ont les gens sur ta nationalité » ?
Mais c’est vrai ! On a tendance à définir l’exotisme dans son acceptation seulement tropicale. Si je suis exotique, je le suis avant tout dans mon individualité, pas uniquement parce que je suis Brésilienne. J’ai grandi dans un building de São Paulo et j’ai fréquenté des clubs. Là-bas, il n’y a ni samba ni carnaval, ni « Oulala ! ». C’est une jungle urbaine plus proche de New York que de Rio. Quand j’ai réfléchi à la tonalité du disque, je me suis dit : « Ils veulent de l’exotisme ? Et si je leur donnais de l’exotica ? ».
La reprise de Lightworks de Raymond Scott est donc un clin d’œil au genre ?
On peut dire ça. Un ami m’a fait écouter cette chanson en me disant qu’elle collerait parfaitement avec le thème de l’album. Coup de cœur immédiat. L’exotica défend un idéal de fraîcheur qui me correspond bien – une musique mélodique et riche en textures.
Tu reprenais déjà Caetano Veloso, Tom Jobim ou Tom Waits dans tes disques précédents.
Pour moi c’est très naturel. Je ne suis pas obsédée par l’idée de faire que du neuf. Le plaisir de me sentir libre, de faire des trucs sans réfléchir, voilà ce qui me motive. Je ne suis pas une théoricienne de la pop. J’écoute toutes sortes de choses et le hasard tient une place importante dans ma musique. Les reprises sont des escapades fortuites et heureuses.
Comment concilier les empreintes de bossa, de samba, de jazz et d’électro ?
La musique brésilienne est vaste parce qu’elle draine des enjeux esthétiques fascinants. Il y a mille façons de faire vivre ce patrimoine culturel. Le mélange permet d’ouvrir toujours plus le champ de la création. J’exprime le plaisir d’être nourrie par des musiques qui sont nées dans le passé, remises au goût du jour.
Cette vision kaléidoscopique te rend singulière malgré tout, non ?
[Elle soupire] Aujourd’hui, mieux vaut prétendre que l’on est cool. La forme prime sur le fond. Avec Las Vênus Resort Palace Hotel, j’avais envie de me surprendre moi-même : aller à l’opposé de ce qui peut me ressembler, fuir les courants branchés rapidement faux et formatés. Refaire The Shine of Dried Electric Leaves [son précédent album, 2006] aurait été facile. Je creuse une autre voie.
Dirais-tu que ta musique est instinctive ou, au contraire, réfléchie ?
Je cultive la spontanéité. J’imagine un univers et une texture avant de les explorer sans trop réfléchir. Rationaliser donnerait un résultat froid et sans âme. Quand je m’enferme en studio, je m’entoure de plantes et là, j’ai la vision de l’arbre que j’aimerais voir grandir. Idem pour le choix de la langue : l’anglais est aussi naturel que le portugais. J’évite seulement ce qui n’est pas émotionnellement sincère.
O futuro ?
Avec un copain, je viens de monter un groupe appelé Me Tarzan, You Jane ! De la musique funny dark, un son très heavy… avec des mélodies tropicales.

Entretien par Fanny Menceur

Le disque

Apocalypso

Sous le pseudonyme de « Sonja Khalecallon », la gracieuse plante carnivore Cibelle Cavalli Bastos, accompagnée d’un big band baptisé « Los Stroboscopious Luminous », ouvre en grand la serre oubliée de l’exotica. Et même si le résultat est abouti qu’une ébauche parodique, ce troisième album est à prendre au deuxième degré. La folie douce qui habitait la demoiselle sur Cibelle (2003) et The Shine of Dried Electric Leaves (2006) n’est plus perceptible que par éclats. La voix envoûtante, mais domptée, ressemble à un diamant qui se refuserait à briller, tandis que ce sens de l’interprétation, qui faisait l’élégance hagarde de la Brésilienne, se trouve un peu lésé par une production consensuelle.
Le pastiche fastoche est néanmoins évité grâce à la magie de quelques perles : Sad Piano joue une partie d'équilibriste entre retenue et confidence, et les reprises de Under The Mango Tree, (fredonné par Ursula Andress dans James Bond contre Dr. No) et de It’s Not Easy Being Green (la chanson de Kermit du Muppet Show !) retrouvent une candeur inédite passée à la moulinette d’une rafale pacifique. Comme dirait Paul McCartney, Cibelle, ma belle, sont des mots qui vont (quand même) très bien ensemble.

F. M.

Las Vênus Resort Palace Hotel
Crammed Discs

LA METEO DES PLAGES // Article paru dans Standard n°27 spécial Gossips, Stars & People// avril-mai-juin 2010

2010-05-03T17:18:00.015+02:00

Nice, Bordeaux, Marseille : une bourrasque pop souffle sur le Sud de la France. Ca bronze ?

Julien Pras
Southern Kind Of Slang
Vicious Circle
Songwriter à la sève intrépide au sein du groupe Calc dès le début des années 00, le Bordelais Julien Pras déploie aujourd’hui solo ses talents de mélodiste raffiné sur le Pirée d’un folk chatoyant. « Au départ, je voulais un disque assez brut, centré sur un instrument. Je lisais Voleurs de Christopher Cook où il fait référence à des bluesmen du Delta et j’écoutais des disques de kora, du genre Toumani Diabaté. J’ai changé de trajectoire au cours de l’enregistrement, pour une musique plus orchestrée, à la manière de Love, The Pretty Things ou Fleet Foxes ". Ce qui explique la tonalité de son album, pétri de cette mélancolie douce-amère qui jalonne la vie en province, où les songes sont toujours plus grands que nature. Les deux premières chansons, Solar Energy et Heavy Load résument à elles seules l’univers de Pras : éthéré mais intense. On s’imagine écouter Southern Kind Of Slang en regardant la Garonne depuis sa fenêtre, comme s'il s'agissait de prières contemplatives.

Kid Francescoli
EP1 It’s Happening Again
Microphone Recordings
Le plus étonnant, c’est le nom. On pourrait penser ces gens-là sortis d’îles latines alors qu’ils sont natifs de Marseille. Une question de style musical alors ? Eh bien pas du tout. « C'est un hommage à Enzo Francescoli, le joueur de foot uruguayen qui a évolué à l'O.M. au début des années 90. Il dégageait une grâce inouïe sur le terrain, la classe footballistique à l’état pur », précise le chanteur Mathieu Hocine. Qu’on se rassure, Kid Francescoli, fan des Beatles et de Air, ne fait pas dans l’hymne calibré pour le stade Vélodrome. Sa musique fleure bon la pop des années 70, Lee Hazlewood en tête. Avec It’s Happening Again EP1, il défie presque Grandaddy sur le playground de la symphonie rock, hésitant entre légèreté et aplomb. Tempos distingués, mélodies soignées, compositions lustrées, jusqu’au petit prodige In My Bed.

Quadricolor
EP Euphony
Almost Musique
Tout commence il y a trois ans, au conservatoire de Nice. Quadricolor se forge une réputation grâce à des reprises de Late Of The Pier, Kaiser Chiefs ou Wax Tailor, suivi du premier EP 4.04 en 2008. Euphony lève ce printemps le voile sur des compositions électriques et hallucinées, au groove pétulant. Si les paroles ne cassent pas des briques, le songwriting est l’exécution sont sacrément troussés. Cavalcades rutilantes (Euphony), rythmes concassés (The Herd) ou refrains aux assonances quasiment hip hop (Superheroes), ces quatre éphèbes démontent sans peine nos préjugés en matière de teenage rock. Et si par chance, ils ont de la suite dans les idées, ils prouveront avec leur premier album à venir que leur allégeance à l’éloquence pop pétillante n’était pas qu’un flirt de jeunesse, mais bien une profession de foi.

Texte par Fanny Menceur

ZELDA AUSSI BELLE QUE LA JOCONDE // Article paru dans Standard n°26 spécial jeux // janvier-février-mars 2010

2010-02-08T14:44:00.008+01:00

Faisant fi des chapelles et des classifications, nous avons questionné nos experts pour savoir à quelle heure nous pourrons dire sans rougir que le 10e art, c’est les jeux vidéos.

Enter. Quand Pong est sorti en 1972, personne n’imaginait que les jeux vidéo muteraient en industrie. Les bornes d’arcades ont fait place à des mises en scène complexes, à l’instar de Uncharted 2 : Among Thieves (Naughty Dog-2009), qui atteint l’excellence dans le domaine du jeu d’action-aventure avec une trame scénaristique hollywoodienne et une prouesse technique inédite à ce jour. Si pour certains, la violence et l’aliénation sont toujours de mise au rayon polémiques (en 2006, des scientifiques américains démontraient que certains jeux entraînaient des traumatismes crâniens, et récemment, Nadine Morano a catalogué GTA IV d’« amoral »), pour d'autres, il s'agit d'une nouvelle forme d'art qui suit les traces du cinéma, né lui aussi sous le feu des critiques.
« Si le jeu vidéo n’est pas l’art des arts, Platon n'aura été qu’un geek des provinces d’Athènes. » L’argument de Frank Beau, directeur de l'ouvrage collectif Culture d'Univers (2008), montre que les considérations ont changé : le XXIe siècle semble introniser les jeux vidéo dans l’histoire culturelle. Le troisième média en termes de chiffres d’affaire (après la télévision et la diffusion musicale) interroge désormais au niveau juridique – quel statut pour l’œuvre interactive ? – et, surtout, sur le plan artistique. Allumons la console.

Légitimité fragile
L'intégration du jeu vidéo dans l'espace culturel s'est accélérée dès le début des années 2000. Les créateurs Shigeru Miyamoto, Michel Ancel et Frédérick Raynal sont faits Chevaliers des Arts et des Lettres en 2006. En septembre 2009, Frédéric Mitterrand annonce la création d’un Observatoire du Jeu Vidéo, alors qu’au même moment Nathalie Kosciusko-Morizet lève vingt millions d'euros pour financer quarante-huit projets de serious games. Face à un tel branle-bas de combat, Frank Beau se veut prudent : « La conception générale est que ce n’est pas un art, bien qu’une partie de l’industrie veut que cela en soit un, ce qui faciliterait l’accès aux financements, aux aides substantielles, comme pour le cinéma. En attendant, moins il y aura de fantasme de la reconnaissance, plus le jeu aura de chance de développer ses qualités artistiques de manière ostentatoire ».
Les game designers alimentent peu le débat, se considérant d’avantage comme des artisans du divertissement. Si certains concèdent qu'une partie de leur travail peut être artistique, aucun n'affirme encore « faire de l'art ». Le public, lui, ne se pose pas vraiment la question de la spiritualité mystique d’Okami, du génie conceptuel des palais de Zelda, de la poésie environnementale de Flower. A quand une grammaire vidéoludique pour en percevoir toute la dimension.

Matérialiser certaines propriétés du temps
Jusqu'à la fin des années 90, le cinéma était le seul média à s'approprier les autres disciplines artistiques. Le jeu vidéo va aujourd’hui plus loin : des mondes virtuels sont bâtis au croisement de l'art et de la science. Cette interactivité demande une exigence mathématique et technologique : la programmation, les moteurs graphiques et physiques, l’intelligence artificielle et le réseau. Par ailleurs, les jeux développent un langage inédit, le gameplay. Comme l'assure François Bliss de la Boissière, critique jeux et cinéma à Première et au Nouvel Obs : « Myst et ses suites, Out of This World, Super Mario 64, Zelda : Ocarina of Time, Abe's Oddysee, Ico, Shadow of the Colossus, Pixel Junk Eden, Braid font partie du patrimoine le plus élevé de l'humanité. » Des chefs-d'œuvre. Mais les jeux disposent-t-ils d’une palette de sujets comme le cinéma ? D’un éventail d'émotions à la hauteur de la littérature ?
En réalité, le jeu vidéo entame sa maturation créative et enfante, depuis peu, des ovnis comme Passage (Jason Rohrer, 2007), dont l’esthétique rétro sert une réflexion poignante sur la fatalité et touche au cœur et à l’esprit. Le 10e art se trouve probablement ici. Pour Gregory Szriftgiser, journaliste pour le site Gameblog, Braid (Jonathan Blow, 2008) en est la meilleure illustration : « Les émotions, les réflexions qu’il suscite, aucune autre discipline n’en est capable – ce serait comme demander à de la musique de nous faire voir les couleurs, à la peinture de nous noyer de sons. C’est la force de ces mécaniques d’interactivité : ils permettent au joueur d’appréhender sa beauté, matérialisant à l’écran, mais surtout dans nos têtes, certaines propriétés du temps».

Ciment d’une culture populaire
L’expérience immersive constitue la pierre angulaire du jeu vidéo – ce qui lui permet d’exister en tant qu’œuvre audiovisuelle interactive. Contrairement à un film où le spectateur est laissé seul avec sa parole, il ne raconte pas d’histoire de manière linéaire puisqu’il n’a de sens que s’il est investi et exploré par le joueur. Franck Beau : « Le joueur est un spectateur de lui-même en tant qu’acteur. Tout le génie du jeu vidéo – comme on parle de cinégénie et de télégénie – repose sur le regard sur une action qui nous est propre. Qu’on peut raffiner en mettant plus de 3D, de spatialisation sonore, de gameplay, de scénarios originaux, de petites astuces bêtes et efficaces, et surtout de témoins, à savoir : les autres joueurs. »
Il y a aussi dans le jeu vidéo des moments instructifs qui ravivent des échos profonds dans notre culture, en assumant des fonctions attribuées autrefois aux contes populaires. Si les mythes et les légendes s’impriment dans l’imagination et l’inconscient collectif d’un peuple, les jeux jouent un rôle comparable, en évoquant le mystère des origines et les forces de la nature. En cultivant les symboles du Bien et du Mal, du héros face à son destin ou des pouvoirs magiques, les jeux vidéo perpétuent cette tradition orale qui scelle la culture populaire.

La tradition française se démarque par une conception un peu trop académique de l’art. Elle établit ainsi une hiérarchie stricte entre les formes d'expression. « Personne ne peut dire qu’un jeu vidéo égale La Joconde », rappelle Frank Beau. « Et tant que la majorité des gens soutiendra cette hypothèse, le jeu sera rangé dans la catégorie des arts mineurs, voire des arts qui n'en sont pas du tout. Il changera de statut le jour où l’on se sera souvenu que l'art est une démarche ». Autrement dit, une entente est à négocier entre l'industrie, les institutions et le milieu intellectuel. Cette période cruciale intégrerait définitivement les jeux vidéo dans le cercle restreint des beaux-arts, à condition que la France, ambassadrice de l’exception culturelle, ne passe pas à côté d’une telle opportunité. Et si le débat public correspond au processus d'assimilation dont a besoin une société, le jeu vidéo est déjà le 10e art.

Texte par Fanny Menceur et Samy Zakari

GTA = Grand Tabelau Artistique // Article paru dans Standard n°26 spécial jeux // janvier-février-mars 2010

2010-01-26T14:42:00.003+01:00

GTA est-il le Guernica du XXI siècle ? Delacroix, Lynch et Shigeru Miyamoto, même combat ? Conversation en mode two players entre la critique d’art Margherita Balzerani et le concepteur Eric Viennot.

A quelle distance sommes-nous de considérer le jeu vidéo comme le 10e art ?
Margherita Balzerani : Le jeu vidéo est rentré dans la culture populaire. Il est, sans conteste, le 10e art. Ce qui m'intéresse dans ma démarche de critique d'art, c'est de faire accéder les jeunes générations à ce patrimoine. Pong, Arkanoid, Pacman ou Space Invaders sont déjà considérées comme des œuvres d'art. Cela dit, le jeu vidéo doit être appréhendé différemment du point de vue esthétique, en raison de sa dimension interactive.
Eric Viennot : Il est encore trop tôt pour le dire. Comparé au cinéma, certains diront qu’on en est aux années 50. Je dirais plutôt les années 10. Même de grands game designers comme Shigeru Miyamoto [Mario, Zelda] affirment qu'il ne s'agit que d’un divertissement. C’est une attitude saine – cela permet de créer sans trop se prendre au sérieux. N’oublions pas que les frères Lumière ne voyaient dans le cinéma qu’un objet utilitaire. Ce n’est qu’ensuite que Méliès ou Chaplin ont pris conscience de sa portée artistique.

Quels critères catégorisent une discipline en tant qu'art ?
MB : La notion d'art est à réviser. Une œuvre d’art nous prend complètement les sens et dépasse la question subjective du beau. L’identification donne une dimension artistique supplémentaire au jeu vidéo. Prenez La Rotative Plaque Verre de Marcel Duchamp (1920) : c’était une machine qu'il ne définissait pas comme une œuvre d’art, mais comme une invention ; le mouvement déclenché par la rotation d’une turbine hypnotisait le spectateur. J'aime faire l’analogie avec le jeu vidéo, car celui-ci n’existe que si le joueur s’y implique.
EV : Le jeu a tout pour être un art accompli, parce qu’il s’articule autour du gameplay. Il fait vivre au public une expérience complète et immersive, permet de construire une œuvre totale, avec ses lieux, ses bâtiments, ses sons, ses variations de lumière et de climat et sa logique interne.

Le jeu vidéo est-il un art mineur – une sous-culture – ou un art impur, suscitant d'autres émotions que purement artistiques ?
MB : Considérations désuètes. L’artiste japonais Takashi Murakami s'inspire beaucoup de l'esthétique manga, non pas parce qu’elle est populaire, mais parce qu'il n'y a plus de hiérarchie dans la production culturelle. J’accompagne des artistes qui détournent les jeux pour en faire de véritables œuvres, tels l’Américain Cory Arcangel, qui a détourné Super Mario dans une vidéo où il efface l'interface graphique pour ne laisser que des nuages, ou le Français Martin Le Chevalier, qui a créé en 2001 Vigilance 1.0 au moment où le gouvernement se posait beaucoup de questions sur la sécurité. Je collabore aussi avec des éditeurs de jeu pour mettre en avant l’aspect esthétique de leurs sorties.
EV : Tout le monde sait que le cinéma est le 7e art, mais tout le monde ne sait pas quelles sont les six autres (*), dont certaines ne sont pas les plus représentatives de l’idée que je me fais de l’art. La télévision est devenue obsolète pour la jeune génération qui l’a remplacé par Internet, les mangas et les jeux vidéo.

Sa fonction ludique le place-t-il d'emblée hors-jeu dans la course à devenir le 10e art ?
MB : Les Français ont du mal à reconnaître la dimension ludique dans la culture, parce qu’ils sont encore trop attachés à cette conception très XIXe de l’art. Pourtant Marcel Duchamp, l’un des artistes les plus ironiques, est français. Les univers populaires comme le tuning ou le cosplay intéressent bon nombre d’artistes qui ont compris l’importance du ludique comme source d’inspiration
EV : La force du jeu vidéo est de renouer avec les sensations des jeux d’enfants. Si pour certains, l’art doit être sérieux voire austère, le jeu a toujours été un élément important dans la création artistique. Ce qui est rébarbatif, ce sont les théories de conférenciers bavards.

Quels jeux illustrent cette idée du 10e art ?
EV : Shadow of Colossus et Ico sont des expériences incroyables.
MB : J’adore Braid, qui joue avec l'élasticité du temps. Flowers offre une expérience singulière et poétique. Enfin Rez, que j’ai exposé il y a deux ans au Festival du jeu vidéo à Paris.

Une meilleure reconnaissance des créateurs pourrait-elle appuyer cette idée ?
MB : Absolument. Le nom de l’auteur passe souvent inaperçu au générique de fin car il faut créditer ceux qui ont participé à la conception du jeu. C’est aussi lié aux éditeurs, qui gardent souvent les droits et ne laissent qu’une marge réduite aux concepteurs.
EV : Au cinéma, il a fallu du temps pour voir émerger la notion d’auteur. Pour les jeux vidéo, c’est pareil : on connaît davantage Mario ou Lara Croft que leurs designers. J’ajoute que ces derniers ne sont pas toujours conscients d’avoir un point de vue d’auteur.

Se considèrent-ils comme des artisans, des artistes numériques ?
MB : Lorsque Michel-Ange a peint la chapelle Sixtine, il était accompagné d'un atelier appelé la Bottega. On peut faire l’analogie avec atelier de la Renaissance : pour concevoir un jeu, un artiste s'occupe du dessin, un autre de la musique, un autre du gameplay, etc. La question de l’artiste numérique me dérange. C'est comme si on disait de Léonard ou Michel-Ange qu’ils étaient des artistes sculpturaux ou picturaux. L’expression de l’artiste va au-delà du média.
EV : Je viens des arts plastiques et je me suis intéressé aux jeux vidéo, un monde où tout est à faire. Peut-être que le jeu vidéo permettra la naissance de nouveaux arts, ou qu’il se divisera en plusieurs branches artistiques.

L'œuvre d'art est liée aux émotions qu'elle suscite chez le public. Où en est le jeu vidéo ?
MB : J’ai décidé de m'occuper du jeu vidéo en tant qu’art en jouant à Ico. Lorsque j'ai senti le cœur de la jeune fille battre par les vibrations de la manette, j'en ai pleuré. Le jeu vidéo peut engendrer de l’angoisse, elle-même source d’adrénaline.
EV : Pour que les émotions passent, il faut oublier la technique. Fumito Ueda est l’un des rares designers à savoir faire passer ses prouesses technologiques au second plan, pour mettre en lumière la narration, la poésie et l’émotion. L’élasticité du temps est l’autre point fort. Jouer pendant trente heures nécessite une affinité avec un personnage. Quand vous l’accompagnez pendant des semaines, votre empathie n’est pas la même que pour le héros d’un film.

Ne confondons-nous pas œuvre d'art et loisir culturel ?
MB : Le jeu vidéo est déjà les deux. Je ne suis pas contre l’idée d’un musée du jeu vidéo, à condition que ce ne soit pas le Louvres. Frédéric Mitterrand a annoncé la création de l'Observatoire du Jeu Vidéo, pour une réflexion sur le financement et l'accompagnement des nouveaux projets.
EV : Même si ce n’est pas toujours un succès commercial, un jeu touche au moins cent mille personnes. Une peinture dans une galerie ne cible que le milieu élitiste. Le jeu vidéo fait de l’art populaire, au sens noble.

Propos recueillis par Fanny Menceur et Samy Zakari

* Selon Hegel et son Esthétique ou la philosophie de l’art (1818-1829), il s’agit de 1) l’architecture 2) la sculpture 3) la peinture 4) la musique 5) la danse 6) la poésie. Le « 7e art » est une expression proposée en 1919 par l’écrivain français Ricciotto Canudo pour désigner l'art cinématographique.

ECOLO MAN'S LAND // Article paru dans Standard n°25 spécial utopies urbaines // octobre-novembre-décembre 2009

2009-10-16T12:31:00.028+02:00

Des maisons végétales dans un New York « vert » en 2060 ? Designer écolo chouchou des médias, l’Américain Mitchell Joachim, 37 ans, donne le ton : les villes du futur soigneront l’atmosphère.

Ce qui surprend d’entrée, ce sont ses dreadlocks, blondes, épaisses. Un architecte rastafari apte à repenser Big Apple pour le prochain demi-siècle ? Mitchell Joachim a intégré très tôt le facteur environnement à ses projets : en 2006, il créé Terreform 1, laboratoire d’une urbanité socialement équitable, écologique et économiquement viable. Si ses travaux sont encore majoritairement au stade de la conception, la plus connue de ses maisons végétales, Fab Tree House, est actuellement exposée au Musée d’art moderne de la ville qu’il ne quitterait pour rien au monde.

Tout d’abord, pourriez-vous décrire la pièce où vous vous trouvez et comment vous vous sentez aujourd’hui ?

Mitchell Joachim : Je travaille dans une vaste galerie de Brooklyn sur l’aménagement futur des rues de New York à partir d’une gigantesque maquette. Je suis dans mon élément, en quelque sorte.

Quelle est l’ambition de Terreform 1 ? Développer l’urbanisme écologique ?

Promouvoir et diffuser les grands principes socio-écologiques via des projets d’habitat et d’urbanisme. Terreform 1 est une société philanthropique à but non-lucratif qui regroupe chercheurs, ingénieurs, urbanistes et architectes. J’ai étudié l’écologie en tant que science à Harvard puis, en 1997, je me suis penché sérieusement sur l’urbanisme écologique.

Vous avez donc imaginé Fab Tree House, « la maison qui pousse » ?

C’est la première maison auto-suffisante composée à 100% d’éléments nutritifs vivants, réalisée à partir d’un mur de cinq mètres de long composé de jeunes pousses d’arbres incurvées, contraintes à prendre une forme définie tout au long de leur croissance, sur le toit de l’immeuble de Terreform 1. Les troncs constituent les fondations et les branches servent à l’isolation de la toiture et des murs. Un système de récupération d'eau de pluie permet d’alimenter l’édifice et ses habitants. Nous travaillons sur des techniques de greffe pour y faire pousser des meubles végétaux. Il faudra compter deux à cinq ans, selon qu’elle pousse en climat tempéré ou tropical, pour qu’une maison arrive à maturité. En s’adaptant ainsi à l’écosystème, nous espérons créer notre première communauté écologique.

Bâtir une maison « vivante » relève-t-il du bon sens, d’une mode ou d’une innovation ?

L’innovation puise sa source dans le bon sens. Les gens comprennent enfin que la dégradation de l'environnement est lourde de conséquences pour le futur des villes, et que l'impact d’une construction sur l'écologie, que l’on ne prenait pas au sérieux quinze ans auparavant, est devenu préoccupant. Tout le monde ne jure que par ça ! Si cela change la donne, c’est positif. En revanche, si c’est motivé par le pouvoir, on bascule dans le cynisme. Je m’efforce de sensibiliser les gens par le désir, et non par un discours moralisateur ou alarmiste. Même si c’est très encourageant, ne nous limitons pas à des immeubles économes en énergie et soyons plus attentifs au développement urbain dans une approche « holistique », c’est-à-dire intégrant le bâtiment dans son environnement global.

Et votre autre projet d’habitat, MATscape ?

Il s’agit d’une maison tridimensionnelle de 900 m2 prenant en compte les vecteurs climatiques et environnementaux. Elle interprète les intrants climatiques, le cheminement solaire, la force du vent, les précipitations et la température ambiante afin de répondre au mieux aux besoins vitaux des hommes (la lumière, l’eau, l’air, l’électricité) tout en assurant un confort optimal. Nous en sommes encore au stade de la maquette.

Comment avez-vous eu l’idée de La Cité du Futur, votre New York 100% écolo en 2060 ? Par quoi faut-il commencer pour aboutir, dans cinquante ans, à cette utopie ?

L’idée a germé lors du déjeuner d’inauguration de Terreform 1. J’ai rassemblé un grand nombre de chercheurs bénévoles pour établir les ébauches d’une métropole auto-suffisante en énergie, en alimentation, en eau, en emploi, en logement et en systèmes de traitement des déchets, qui s’organisera autour d’un parc « cerveau » afin de contrôler sa propre énergie. Nous ne voulons pas limiter l’effort aux problèmes de transports et à quelques symboles en ajoutant de la végétation un peu partout. Nous sommes devant une terre inconnue. Il est inconcevable de s'installer sur un bureau et de faire un plan, car pendant ce temps, la ville bouge en mille endroits.

Si La Cité du Futur est construite, ne fera-t-elle pas de New York une ville divisée entre des quartiers « très verts » et d’autres « peu verts » ?

Notre positionnement est clair : repenser les dilemmes d’aujourd’hui sur la ville entière, dans le but d’apporter des solutions à grande échelle et sur le long terme. Il n’est évidemment pas question de noyer New York dans une utopie cool ou, pire, élitiste, mais de confronter son métabolisme actuel avec les tendances urbanistiques de demain.

Quelles sont ses chances de réalisation ?

Etant donné l’état actuel de l’économie, je dirais qu’elles sont très minces.

Comment vos projets sont-ils perçus par vos pairs, l’opinion publique et l’homme de la rue ?

La plupart de mes confrères sourient poliment, le grand public me perçoit comme le nouveau champion de l’écologie, quant à l’homme de la rue je ne suis pas sûr qu’il se sente concerné par la question.

Plus largement, l’architecture est-elle d’abord une œuvre d’art, ou davantage une construction sociale qui doit-elle toujours s’adapter, le mieux possible, à l’homme ?

D’après Adolf Loos, un architecte autrichien de la fin du XIXe siècle, l’architecture est un art pur dès qu’elle s’affranchit de toute contrainte. La construction d’un mémorial en est le parfait exemple : puisque la mort n’a pas de fonction, l’architecture s’exprime librement. Le factuel doit primer sur l’esthétique. Je cherche à faire dans le pratique et le long terme, l’usage est « l’angle d’attaque » qui détermine mon travail. De la même manière, lorsqu’on fait appel à moi pour imaginer des voitures « propres » [comme l’électrique City Car, qui ralentit dans les zones dangereuses en détectant la présence d’autres véhicules], mon but est de proposer une alternative nouvelle dans une société en constante évolution.

Nos comportements sont en partie déterminés par notre cadre de vie, la forme de notre ville, la structure de nos habitations. Une transformation urbaine implique-t-elle nécessairement une transformation sociale ?

Chaque ville est un écosystème naturel et social unique : elle doit donc être gérée comme telle. L'élaboration d’aménagements urbains soucieux de l'environnement ne peut pas faire abstraction du social. C’est pourquoi il faut privilégier la prévention et la protection de l'environnement plutôt qu’une gestion qui remédie après coup aux dommages environnementaux. Il faut gérer de façon plus rationnelle les ressources d’une ville et de sa population, de façon à accroître l'efficacité de l'économie urbaine.

Justement, en termes de qualité de vie, d’audace architecturale, d’espaces verts, de densité de population et de dynamisme culturel, quelle est la meilleure ville du monde ?

Sans hésiter : Brooklyn. C’est une ville en pleine croissance, où l’ancien côtoie le nouveau et où il y a une coalition ethnique, culturelle et économique dans laquelle je me retrouve complètement. Tout le contraire de Manhattan, où chaque mètre carré est sans cesse rattrapé par la logique du Dieu Argent.

Où vivrez-vous dans dix, vingt, cinquante ans ?

Je vis à Brooklyn depuis quinze ans et je ne me vois pas vivre ailleurs.

A l’inverse, quelle est la pire ville jamais visitée ?

Probablement Fargo, dans le Dakota du Nord. Malgré le film éponyme sublime des frères Coen, elle concentre plus que jamais la quintessence de l’indéfectible médiocrité américaine.

N'y a-t-il aucune ville en dehors des Etats-Unis qui suscite votre admiration ?

Sûrement Masdar, la future ville écologique d’Abou Dhabi dans les Emirats Arabes Unis, en construction depuis février 2008.

Comment l'inspiration vient-elle en architecture ?

Je ne me réveille pas le matin en sachant ce que je veux faire. Je me laisse porter par un lieu qui m’inspire dès qu’il présente un réel potentiel.

Pendant la campagne présidentielle en 2008, Le magazine Wired vous a désigné comme « l’une des quinze personnes que le futur Président ferait bien d’écouter ». Barack vous a-t-il passé un coup de fil ?

Bien que je sois un inconditionnel de Barack, je n’ai eu aucun contact avec lui. Mais en cas de besoin, il peut compter sur moi !

D’autres projets, petits ou grands, d’ici 2010 ?

Oui, un projet d’infrastructure, Homeway. Il s’agit de déplacer les banlieues américaines le long des artères, déjà pourvues en énergie et en transport. La future maison américaine sera sur roues et se déplacera sur un vaste réseau « intelligent ».

Texte et propos recueillis par Fanny Menceur

L'ETE DE LA FOURNAISE // Article paru dans Standard n°24 spécial fesse // juillet-août-septembre 2009

2009-10-06T13:11:00.020+02:00

Sur le flamboyant I’m Going Away, The Fiery Furnaces retrouve l’indolence défoncée des épopées sixties. On se tire avec eux.

Un frère, une sœur. Avec huit albums en six ans, les Fournaises Ardentes font figure d’exception sur la scène new-yorkaise. Depuis le premier galop Gallowsbird’s Bark (2003), Eleanor et Matthew Friedberger cultivent un songwriting décalé loin du snobisme local. « On n’évolue pas dans les mêmes sphères. On ne se revendique d’ailleurs d’aucune scène. » En 2000, ils quittent Chicago et la maison familiale. Migrent à New York City. Scellent The Fiery Furnaces, dont le nom s’inspire du film Chitty Chitty Bang Bang de Ken Hugues (1968). Puis construisent leur réputation scénique en ouvrant pour Franz Ferdinand – le chanteur Alex Kapranos est accessoirement le petit ami d’Eleanor – et de The Shins. Producteur-compositeur multi-instrumentiste, Matt a des airs de Robert Helpmann dans l’adaptation des Contes d’Hoffmann de Michael Powell, tandis que d’une voix râpeuse, Eleanor griffonne des chansons au phrasé affûté tout en chérissant Ronnie Lane, l’intraitable bassiste des Small Faces. Adoubé par Greil Marcus, Gallowsbird’s Bark évoque aussi Muddy Waters ou Pete Townshend. Le suivant, Blueberry Boat, épate par son jusqu’au-boutisme.
Cinq ans plus tard, c’est dans un entrepôt de Brooklyn que le duo, par ailleurs fan de King Crimson ou du poète Vachel Lindsay, a couché sur bande I’m Going Away, quarante-sept minutes braquées sur l’âge d’or du rock sixties-seventies grâce auquel ces garnements ont appris leur solfège. « On voulait d’un disque intemporel, qui sonne comme un classique. » Jason Loewenstein (Sebadoh), qui les accompagne souvent live, a piloté le mixage et assuré le coup de patte à la basse.

Blues biscornu

Dès l’ouverture, l’entrain l’emporte – celui des guitares badines et des ruades rythmiques. Dans ce vent de liberté cohabitent réussites (Charmaine Champaigne) et mélodies plutôt embryonnaires (Keep Me In The Dark). Ces sautes d’humeur font justement la pétulance du disque, assurément leur plus pop – de la pop dissipée, guinchant du côté du blues biscornu (Cut The Cake), de l’improvisation potache (Cups And Punches) et de la sève psychédélique (Even In The Rain). Ceci sans perdre de leur cachet habituel, ces mélopées hallucinées, ce groove iconoclaste. Les chansons s’enchaînent, de plus en plus subtiles – impeccables Staring At The Steeple et Lost At Sea – jusqu’au conquérant Take Me Around Again. Au final, un trait d’union maîtrisé entre rudesse et sophistication, réflexion et pur instinct. L’avenir ? « On se verrait bien devenir le groupe américain le plus populaire de France. On aurait un studio dans les usines Airbus à Toulouse. » Attachez vos ceintures.

Texte par Fanny Menceur.

The Fiery Furnaces I’m Going Away (Thrill Jockey Records)

BOOTY FRUTTI // Article paru dans Standard n°24 spécial fesse // juillet-août-septembre 2009

2009-10-06T12:57:00.020+02:00

Dotées de miches éléphantesques, elles soulèvent les foules et mettent les plateaux télés brésiliens sans dessus-dessous. La main au panier des mulheres-frutos ? tudo bem des mulheres-frutos.

Si le Brésil est connu pour avoir consacré les attributs féminins aux formes conquérantes, ces deux dernières années sont plus que jamais celles du derrière, hardi et abondant avec l’apparition d’Amazones d’un nouveau genre : les « femmes-fruits ». De la Femme-Pastèque à la Femme-Fraise en passant par la Femme-Melon, ces prêtresses vitaminées se sont construites une religion médiatique à leur mesure en érigeant leur arrière-train XXL en véritable étendard du Moi. Terrains de prédilection : les concerts baile funk, cher aux jeunes des classes moyennes de Rio. Pilier de la culture carioca depuis près de trente ans, le funk de Janeiro mixe percussions locales et Miami bass, dérivé du hip hop. Sur scène, les DJs dictent la cadence aux danseuses en micro-short humide, qui secouent énergiquement leurs croupes saillantes devant un public captivé. Chaleur, moiteur et gestes outrageux : a priori, rien de très neuf sous le soleil. Sauf que personne n’imaginait, il y a encore un an, que ces mulheres, auprès desquelles Jennifer Lopez ressemble à une sole meunière, deviendraient les ambassadrices d’un néo-hédonisme brésilien.

La Pastèque, « passion nationale »

Tout commence en janvier 2008. Le phénomène Andressa Soares, la Femme-Pastèque, relève du miracle de son invention : celle d’une danseuse d’à peine 20 ans, sosie de Margo Winchester, originaire de la banlieue de Rio, se faisant une place sous les sunlights médiatiques au point d’être désignée « passion nationale » par la presse. La pastèque humaine dévoile un tour de hanches gargantuesque (cent vingt centimètres !) et ses performances, labellisées par les productions du chanteur Sergio Costa alias MC Creu (prononcer Créo, « baise rapide ») en font une arme de séduction massive. Andressa incarne alors le culte du corps auprès d’un (grand) public qui n’a de cesse de célébrer sa croupe. Les télévisions la réclament sur des plateaux chauffés à blanc, pour des apparitions qui révèlent moins ses talents de chanteuse proches du néant que son fessier sacrément charpenté. La coquine, qui dit « danser pour le plaisir », exploite avec brio le business plan de son tout récent statut : après deux tubes tendance Socca Dance à son actif, (Célibataire mais jamais seule et Velocidad 6), Playboy lui consacre trois couvertures en un an, une marque de lingerie sexy en fait son icône et les Unes des tabloïds la dégustent à l’envi. Ce mélange pétulant de bonne fortune et de ramdam marque le début d’une lignée de femmes-fruits.

Bain de chantilly

Dernière tête de gondole du groupe Creu, Ellen Cardoso, 26 ans, a été couronnée Femme-Fraise avec des miches de cent dix centimètres, avant de signer avec Rede TV pour une émission au titre incantatoire – La Baignoire de la Fraise – dont le principe repose sur une chasse aux fraises dans un bain de chantilly. Elles sont les premières à démystifier l’adage misogyne de la cachorra popoduza (la salope au gros cul) tirée de l’abîme des favelas. Héroïnes de leur propre carrière, le rôle des femmes-fruits s’apparente à celui d’icônes érotiques, tendance quasi-déserte au Brésil. Au geste, elles joignent la parole dans une même envie de faire partager leurs plaisirs : « Mes fesses sont précieuses, j’en prends grand soin. Quel problème devrais-je avoir à allier travail et plaisir ? », affirme Renata Frisson, la Femme-Melon, un bolide caniculaire d’un mètre soixante-huit avec des fesses en pare-choc, qui officie aux côtés de MC Frank. Cette conviction assumée dans l’art de taquiner les sens suscite l’interrogation : montrer ses fesses pour s’affranchir, arme de séduction et/ou d’ascension ?

Mordre le cul d’un artichaut

L’écrivain Jean-Luc Hennig a exploré l'imaginaire des fruits et les représentations érotiques qu’ils produisent. « Il n'est pas inutile d'interroger le désir que nous pouvons avoir à caresser une poire, à déshabiller un bulbe de fenouil, à peler une orange à vif ou à mordre dans le cul d’un artichaut. » Emblème de la féminité, la pastèque et le melon présentent les pépins et la sève, deux éléments symbolisant la fécondité. La couleur rouge de la fraise rappelle quant à elle la passion. Ses ramifications nébuleuses étendent ainsi un large panel de pensées lubriques. Est-ce pour cette raison que ces bimbos charnues ont été élevées au rang au de divinités charnelles ? Le raccourci serait bref. Le phénomène trouve une part de son origine dans l’héritage afro-brésilien à travers lequel les habitants d’aujourd’hui intègrent la teneur ludique de l’érotisme dans un réseau de valorisation sociale. Les jeux haletants du bassin possèdent une charge sensuelle revendiquée dont le plaisir pour le moins ostentatoire que les femmes-fruits semblent y prendre suppose une plénitude sexuelle. Dans ces conditions, comment ne pas être friand de ces sexy gourmandises qui mettent l’eau à la bouche et le sourire aux lèvres ? Ce serait un péché que de ne pas savourer l’effet chauffant des festins dont les femmes fruits gratifient.

Texte par Fanny Menceur

MIRWAIS & Y.A.S // Article paru dans Standard n° 23 spécial cosmos // avril-mai-juin 2009

2009-10-06T12:25:00.056+02:00

Produit par Mirwais et entièrement chanté en arabe par la libanaise Yas (Yasmine Hamdan), Aräbology marque humblement l’entrée du Moyen-Orient sur le dancefloor global. Tayyeb ?

Comment est né Aräbology ?

Yasmine: Mirwais et moi sommes rencontré il y a quatre ans par un ami en commun le réalisateur Elia Suleiman. Un jour ce dernier a fait écouter à Mirwais des titres de mon ancien groupe Soap Kills et il a remarqué ma voix. À ce moment là je cherchais quelqu’un avec qui travailler. Mirwais m’a alors mis en relation avec quelques personnes pour bosser sur un projet en arabe, mais ça ne s’est pas concrétisé. Comme il venait de terminer son travail avec Madonna, je lui ai fait écouter quelques ébauches de ce qui allait être Aräbology et il a eu rapidement une vision de ce que pouvait être un projet en arabe ultra-moderne.

Quand vous travaillez ensemble pour la première fois, les choses fonctionnent-elles immédiatement entre vous?

Mirwais: Honnêtement pas du tout. Je la voyais faire quelque chose de différent de ce qu’elle avait fait auparavant avec SoapKills, qui était dans un registre plus trip-hop, avec des tempos lents et une voix un peu paresseuse.

Y: Je n’ai pas tout de suite compris la combinaison que me proposait Mirwais. N’étant pas sur un registre électro-pop, je voyais le disque différemment. Il y a donc eu parfois des tensions mais comme dans n’importe quelle collaboration.

Comment avez-vous donc procédez?

M: Le processus a été empirique et a pris trois ans. Je voulais un disque électro-pop, qui se situe entre le mainstream et le pointu. J'ai compris qu'il fallait alors mettre la voix au centre et ne pas aller trop loin dans la production, ou on risquait de tomber dans de la world.

Y: Parfois je lui donnais des maquettes et il travaillait dessus. D’autre fois, il m’envoyait des morceaux et à partir desquels je devais trouver le bon langage dire sur cette mélodie. Pendant deux ans il a travaillé sur des morceaux dont il ne comprenait pas les paroles.

À quoi est dû votre intérêt pour l'Orient? À vos origines? À l'humeur du temps?

Y: Je revendique à fond ma culture arabe, mais je ressens un profond mal être à cause de ce qu’elle reflète médiatiquement. La langue et la musique arabes sont tellement connotées qu’on pense systématiquement à la world ou à la danse du ventre. Ce qui est intéressant avec ce projet c’est d’ouvrir une petite brèche où de l’énergie créative peut circuler.

M: L’idée d’Aräbology était de montrer qu’esthétiquement il y a des choses à faire avec l’arabe. Après les convictions politiques doivent rester dans la sphère privée. Mais si tu veux abaisser la charge émotionnelle liée au Moyen-Orient, la seule solution qu’il te reste en tant qu’artiste, c’est d’influencer les choses de manière indirecte en intégrant plus de signes arabes dans la culture pop. Je suis Afghan par mon père, et j’ai passé une partie de mon enfance en Afghanistan. A l’âge de six ans j’ai été arraché à un environnement qui n’a rien avoir avec celui où je suis aujourd’hui, alors j’en ai gardé quelques séquelles. J’ai encore le statut de réfugié, t’imagines!

En 2002, Esquire t’a classé parmi les cinq meilleurs producteurs mondiaux aux côtés de Timbaland. Le téléphone sonne-t-il toujours autant ?

M : Depuis mon succès avec Madonna certains me voient comme une sorte de demi-dieu qui va les faire accéder au stardum et d’autres qui aiment plus la musique que je fais et qui cherchent une collaboration purement artistique. Je pense être estimé dans la profession parce que j’ai toujours été intègre, donc les gens me voient peut-être comme une denrée rare qui va les aider à résoudre leurs problèmes artistiques et existentiels liés à des blessures.

Vous avez d’autres projets à venir ?

Y : En ce moment je travaille sur des nouvelles maquettes, mais je prends mon temps. En parallèle je prépare un spectacle de danse qui sera présenté au prochain Festival d’Avignon et où je reprends une chanson d’Oum Kalthoum avec une amie danseuse.

M : Mon album date d’il y a neuf ans donc j’ai très envie d’en faire un. Je vais m’y mettre sérieusement.

Propos recueillis par Fanny Menceur

LE DISQUE

ARABO-TONIC

L'étonnant Yalta organisé entre Yasmine et Mirwais pourrait faire mal au cerveau des non-initiés, s'il ne se révélait pas foncièrement intelligent. Car derrière le gargantuesque Yaspop tronçonné au marteau piqueur, le technoïde Azza et les langueurs malsaines de Da, l'album suinte d’emblée comme un ciment à prise rapide. Pas de collages artificiels, ni d'exotisme kitsch, mais des influences variées qui semblent se retrouver en toute simplicité, sans jamais dénaturer la langue. Ici, l'arabe n’a pas le poids d’une ancre orthodoxe, mais la forme sensuelle d’une voile gonflée par les vents égyptiens, irakiens et palestiniens. Ambiance mélancolique sur Coit Me, dissonances arythmiques à la recherche d’une cité perdue dans les profondeurs des mers du Sud avec Fax, moiteur et déhanchements incertains avec Gamil, puis vient l'ultime battement de cœur sur l'hédoniste A-Man. YAS tire également de ses processeurs la torpille "Ma Rida", qui déclenche une venimeuse envie de parler aux pieds. La reprise d'une chanson traditionnelle irakienne, Mahi, est quant à elle proche du sans-faute, renouvelant ainsi une certaine idée de la pop moderne. Seul regret, la présence du mercantile Get It Right qui se trouve un peu plombée par l'utilisation intempestive du vocoder, détonnant ainsi légèrement dans un paysage aussi radieux. YAS donne ici une vraie leçon de musique: la meilleure des réponses possibles, en vérité, à ceux qui sont persuadés que l'Orient n'est qu'un colifichet folklorique noyé dans l'opacité d'une infâme world music.

Texte par Fanny Menceur

Y.A.S Arabology (Universal Music France)

RA RA RIOT // Article paru dans les Inrockuptibles // décembre 2008

2009-10-06T12:16:00.011+02:00

Lyriques et raffinés, des Américains écrivent la BO de rêves agités.

Comme l'autre, vous aimeriez tant voir Syracuse. Et bien vous allez l'attendre : après Brooklyn, ses MGMT et Vampire Weekend, la nouvelle vague du rock classieux vient ici de cette autre ville de la côte Est américaine. L'histoire de Ra Ra Riot débute il y a deux ans dans le campus de son université - jusque-là classique. Sauf qu'au printemps 2007, le batteur du groupe, John Pyke, meurt noyé. De ce drame, la petite bande a tiré une certaine sagesse et une maturité qui lui permet de sonner dès aujourd'hui comme un groupe intemporel et chevronné. On retrouve ainsi dans ce premier album l'envie de partir à la conquête des grands espaces mélodiques où les arrangements varient dramatiquement d'un titre à l'autre, où les orchestrations n'obéissent à aucune règle (grosses basses côtoient ici guitares et violons). On y croise ainsi entre autres les enluminures d'Arcade Fire (Ghosts Under Rocks), le romantisme de Morrissey (Dying is Fine), la synth-pop eighties (Too Too Too Fast) et une reprise de Kate Bush (Suspended In Gaffa) plutôt bien sentie. En trente-cinq petites minutes, le groupe créé des ambiances enlevées et sophistiquées portées par de superbes chutes harmoniques : tandis que les instruments chuchotent, frémissent ou parfois grondent, l'écueil du pathos est cependant soigneusement évité. Résultat : Ra Ra Riot touche directement l'âme, les jambes et les oreilles - et toutes en bégaient de plaisir.  

Texte par Fanny Menceur

Ra Ra Riot

The Rhumb Line (Cooperative Music / Pias)

THE GOSSIP  au Casino de Paris // Article paru dans les Inrockuptibles // septembre 2008

2009-10-06T12:02:00.009+02:00

Après un set encourageant, mais condamné avant même d'avoir pu exister, les Ra Ra Riot quittent la scène, soulageant une audience n'attendant qu'une chose: The Gossip. Prestation remarquable pour le groupe de Portland qui comptabilise déjà trois passages à Paris depuis le début de l’année. Affublée d'une combinaison noire à pois blancs, la souriante Beth Ditto, suivie de ses acolytes, arrive sur la scène du Casino de Paris et rugit un "Bonsoir Paris" jubilatoire. Brace Paine plaque alors sur son synthé les premiers accords de l'introductif Pop Goes World, provoquant l'embrasement collectif à grand coup de rythmiques assassines et de gimmicks vaudous.  Orchestrés sous haute tension, le suant Listen Up et le jouissif Jealous Girls frisent les cimes stratosphériques. Viennent ensuite Fire With Sign, bouillonnant, et Coal To Diamonds, triomphant, au cours desquels la fusion entre le chant râpeux de Ditto et les échos du public tient de la magie. En plus de revisiter un glam rock débraillé avec une irrévérence démoniaque, ce qui différencie les Gossip de la jeune garde rock'n'hype, c'est la bonne humeur communicative diffusée durant le concert.  En rappel, un Standing In the Way Of Control électrisant provoque un véritable séisme dans le Casino de Paris, où La Beth parcoure les arcades et traverse la salle portée à bout de bras avant de remonter sur scène et de s’enivrer d’une immense standing ovation du public qui n’a définitivement d’yeux que pour elle.  Les Gossip peuvent alors tirer leur révérence, vidés, mais ravis d'avoir catapulté soixante-dix minutes de déflagration groovy.

Texte par Fanny Menceur

PEKIN BY NIGHT // Article paru sur Technikart.com // 8 septembre 2008

2009-10-06T03:41:00.004+02:00

Quoi de plus excitant qu’une balade « à l’arrache » la nuit dans Pékin? C’est ce que nous propos Paris Dernière ce vendredi 13 juin à l’occasion d’une émission spéciale consacré à la capitale Chinoise. A travers le regard-caméra avide (parfois vide?) de Xavier de Moulins, Pékin Dernière offre un balayage express des contradictions qui structurent cette ville nouvellement érigée en fief de la branchitude.

Peur et fantasme

Depuis les émeutes Tibétaines et les troubles autour de la flamme olympique, nos impressions sur la Chine sont pour le moins confuses. Si le pays ne cesse de susciter fantasme et fascination dans l’imaginaire collectif, il reste une source d’inquiétude, considéré pour certains comme un élément perturbateur pour la sûreté mondiale au même titre que l’Iran ou le Pakistan. De Mao Zédong à Hu Jintao, on ne peut nier la transformation profonde et rapide de la Chine. Mais cette normalisation libérale qui a contraint le pays à ouvrir son marché aux capitaux étrangers pour rentrer de plein-pied dans le système économique mondial n’a en rien affaibli son caractère opaque et secret.

Une énième capitale de la hype ?

En donnant, entre autres, la parole à des tauliers de clubs réservés aux beautiful people (Sébastien Noat et Henry Lee), à des héritiers du pop art dont les œuvres se vendent à prix d’or à de Paris à New York (les frères Gao) ou encore à des acteurs de la nouvelle scène rock chinoise (Ziyo), Xavier de Moulin esquisse un paysage fragmenté, peuplées aussi bien de freaks et de happy few que d’ouvriers exploités et de laissés pour comptes. Une façon pour lui de nous inviter à observer, à travers le regard de ces protagonistes tous impliqués de façon différente dans l’histoire de leur pays, des situations paradoxales qui renvoient aux rouages d’un régime lui même bardé de contradictions.

Mais si l’objet de ce Pékin Dernière était de capter l’atmosphère des manifestations nocturnes et culturelles d’une société hautement hiérarchisée et compétitive en pleine mutation économique et identitaire, c’est assez raté. Des hauts lieux de l’art contemporain chinois aux soirées du Block 8, les fashionistas se mêlent aux mafieux, les artistes aux night-clubbers, le tout dans une sorte de méandre sans identité très nette, sinon celle de la jouissance absurde et souvent exagérée de son image et de sa réussite financière. Même si le propos de l’émission semble être celui de nous détachés de nos clichés sur la Chine, la mise en scène et le choix des interlocuteurs nous renvoient à des théories pour le moins convenues.

« Je me sens aussi libre en Chine qu’aux Etats-Unis », avance sans rire Alan Wong, entrepreneur et archétype du « nouveau riche », ce produit issu d’une société contaminée depuis près de trente ans par la rapacité de l’économie libérale. Pourtant, comme beaucoup de chinois, Alan devient très évasif quand est évoqué l’épineux problème de JO ou encore les « mots interdits » que sont communisme et capitalisme. Trop parler de politique provoque même chez lui d’incontrôlables sourires gênés qui en disent long sur cette société où il est de bon ton de sauver les apparences en parlant le moins possible.

Et c’est là que le bas blesse : cette apparente absence de volonté de la part de Xavier de Moulins de dépasser les bornes de la transgression pour nous faire sentir pleinement la dimension libertaire de sa démarche. Un problème de format sûrement. Car, en trop s’attardant sur des bouts de récits décousus et en alignant à la vas-vite des péripéties qui se veulent cool et stylées, le résultat d’un documentaire neutre et inabouti avec un arrière goût de déjà vu, sans folie ni démesure, paraît inévitable. Dommage.

Texte par Fanny Menceur

Pékin Dernière diffusé sur Première Première, vendredi 13 juin 2008.

ON THE ROAD AGAIN // Article paru sur Technikart.com // 9 juillet 2008

2009-10-06T03:19:00.007+02:00

Dans Nationale 7, Un road-trip à la française, Matthieu Raffard et Charles-Albéric d’Hardivilliers font revivre le mythe de « la route des vacances » en interrogeant la mémoire des lieux avec un éclairage contemplatif et inspiré.

Du mythe de la route…

A première vue, lorsqu’on survole les pages de Nationale 7, c’est de se dire qu’on n’a pas très envie de s’y attarder. Pourtant, en y regardant de plus près, on a du mal à s’en défaire, avec le sentiment de lire un carnet de voyages où le personnel se mêle au documentaire et où le périple revêt une dimension quasi spirituelle.

On comprend alors mieux la démarche de Matthieu Raffarin (pour la photo) et de Charles Albéric d’Hardivilliers (pour le texte) de nous inviter à partager, grâce à des images cinématiques, les découvertes et la poésie de leur périple à l’américaine. Dans la grande tradition des photographes humanistes, ils portent sur les villes et leurs paysages comme dans le choix de leurs sujets, un regard empreint de sensibilité et de connivence.

En glanant des tranches de vies tantôt anodines, tantôt drôles, les deux compagnons de route apportent, avec la particularité de l’écriture argentique, un témoignage à la fois lyrique et sociologique d’une Nationale 7 que l’on pourrait croire un instant éternelle.

… à la quête de l’Ailleurs

Même si les affres de la nostalgie et du passéisme sont soigneusement évités, le portrait de l’époque semble bien là, mais pas là où on l’attend. Le livre, émaillé de multiples commentaires, montre que quelque part, rien à changer et que c’est grâce au souvenir que l’on peut faire ressurgir ce qui n’est plus et recréer en esprit une route disparue. Le « pèlerinage humaniste » ressuscite ici des scènes du passé dont il ne reste que quelques empreintes que sont la pesanteur de l’existence et ses rares moments de grâce.

En restituant la mémoire vive, celle d’un portrait de pizzaïolo, d’un barman, d’un parking routier, d’une zone industrielle, la façade d’un salon de coiffure ou d’un dépôt vente, les deux photographes parviennent à insuffler de la vie là où ne règnent que le silence et l’oubli.

Ce qui explique qu’en parcourant les photos du livre, on éprouve le sentiment d’un voyage où le temps serait « suspendu », avec en filigrane, une vision de l’intérieur, intime et franche. Si la beauté et la force des portraits, le relief des scènes et de la vie quotidienne témoigne de notre époque, ils transcendent malgré tout l’histoire de la Nationale 7.

C’est pourquoi au-delà de son caractère documentaire, la démarche incite surtout à la rencontre pour que nous-même nous traversions un peu ce fantasme de l’ailleurs que représente la route.

Technikart: Pourriez-vous raconter brièvement vos parcours respectifs?

Matthieu Raffard: Albéric et moi sommes amis depuis l’âge de 17 et 18 ans. On a commencé à voyager régulièrement chaque été et chaque hiver. Au début on voyageait à pied ou à vélo, avec la notion de dépassement de soi même et on a très vite réalisé que ce qui nous plaisait s’était de se rendre compte de l’expérience que l’on vivait. On a ainsi compris que le déplacement allait prendre tout son sens par le discours qu’on allait produire.

Charles Albéric d’Hardivilliers: Le processus s’est fait par étape. On a commencé par des parodies de carnets de voyage qui nous ont vite ennuyé. On s’est alors orienté vers la chronique littéraire pour finalement mettre en place un système de textes et d’images qui s’est affiné progressivement.

MR: L’expérience de la route te permets de te retrouver seul face à pas mal de choses et c’est à ce moment là que tu vis des expériences passionnantes que tu n’aurais même pas imaginé. Techniquement c’est moi qui m’occupe de l’image et Albéric qui écrit, mais il y a une seule et même pièce.

C-AH: On a quasiment les mêmes compétences. On a fait les mêmes études au même endroit et au même moment. On peut ainsi intervertir nos registres de compétences sur certains projets.

Technikart: Pourquoi avoir choisi la photographie comme outil pour faire partager au grand public vos expériences?

MR: J’ai commencé très jeune. Étant dyslexique, j’ai parfois du mal à écrire . Du coup, la photo est apparue pour moi comme une méthode de captation de la réalité tout à fait intéressante parce qu’elle permet d’être en interaction avec ce que je vois. Il y a une manière de pénétrer la réalité en temps réel. La façon dont tu construits ton voyage en temps réel construit ta série de photo. C’est pourquoi je ne me dis pas « Qu’est-ce que je bien pouvoir raconter avec ces photos? », mais « Qu’est-ce que mon voyage doit devenir pour que la série que je vais faire prenne un sens? ».

Technikart: Quelles sont vos influences?

C-AH: On adore Depardon. Sinon personnellement j’aime beaucoup Julien Gracq.

MR: Kerouac…

CAH: (Hésitant) Kerouac j’aime presque par obligation.

Tehnikart: La comparaison paraît inévitable.

C-AH: Oui, mais je ne pense que le rapprochement soit si intéressant à faire..

Technikart: Pourtant comme « Sur la Route », on retrouve les thèmes de l’errance et de l’ailleurs.

C-AH: Oui mais je ne suis pas sûr qu‘il soit à l’origine de cela. D’ailleurs je dis dans l’introduction du livre que j’ai lu « Sur la Route » de Kerouac, mais que ça m’a emmerdé plus qu’autre chose. C’est en le relisant l’année dernière que j’ai commencé à trouver un peu d‘intérêt, peut-être parce que j’en étais plus proche. En tout cas pour moi ce n’est pas une influence stylistique.

MR: Personnellement, c’est une influence conceptuelle très forte. Le livre a été écrit d’une seule et même traite et on retrouve la captation de réalité en temps réel.

Technikart: Pourquoi avoir choisi la Nationale 7 comme destination?

C-AH: Au départ ce qu’on voulait c’était une route, aller d’un endroit à un autre. Ça faisait huit ans qu’on voyageait et, sans vouloir être blasé, l’exotisme de l’ailleurs commençait à ne plus fonctionner. La France devenait presque plus exotique. Il y avait des sonorités en France presque abracadabrantesques, des noms de villages colorés qu‘on ne soupçonnaient pas. Alors ok, on aurait pu prendre une autre route, mais la Nationale 7 à cette histoire française qui nous intéresse bien au-delà du cliché. La France des années 50, Trenet et compagnie, on aime bien, mais ce n’est là dessus qu’on s’est appuyé. Ce qui est aussi intéressant, c’est que cette route des années 60 s’est définie par rapport aux routes américaines. Ça dégageait un potentiel pictural et narratif séduisant.

MR: La Nationale 7 était celle de nos parents, nous on ne la connaît pas, si ce n’est qu’elle demeure dans l’inconscient de la route.

C-AH: Même si on n’est pas originaires du sud, il y avait par moment des paysages que je reconnaissais. Je ne savais pas si c’était parce que je les avais vu auparavant ou si c’était parce que j’en avais entendu parlé et que c’était inscrit dans l’imaginaire collectif.

Technikart: Avec quoi êtes vous parti sur la route?

MR: Pour le repérage, on était à vélo, à pied ou avec un scooter 50 cm. On prenait également un peu la voiture sur l’autoroute. Durant le trajet, on essayait de garder cette notion de flux en travaillant en moyenne 7 heures par jour; on se levait à huit heure et on terminait à huit heure pendant dix quinze jours pour ensuite repartir.

C-AH: L’accumulation des kilomètres nous faisait oublier toute notion de temporalité. Le côté hypnotique que me procurait la route me permettait d’être plus apte à regarder ce qu’il y avait autour de moi.

Technikart: Matthieu, quel matériel utilises-tu? Argentique ou numérique?

Pour le premier tronçon route, je bossais avec de l’argentique. C’est une méthode que j’ai pratiqué longtemps dans ma salle de bain et que je maîtrise parfaitement, mais pour des raisons financières je me suis tourné vers le numérique.

Technikart: Pour ces photos vous avez travaillé avec du noir et blanc. Pourquoi ce choix?

MR: Je dirais par tradition. Je ne savais pas développé des photos couleurs et j’ai bossé toute ma vie sur du noir et blanc. De plus, je ne trouve pas de différence entre le noir et blanc et la couleur. Tu ne prends pas les même photos, ok, mais ce qui importe ce n’est pas l’image mais la captation.

C-AH: Ce n’est pas la première fois qu’on nous pose la question. Ce qui est sûr, c’est qu’il n’y a aucune démarche nostalgique dans ce choix. Il a dix ans on ne nous aurait pas posé cette question. Mais avec l’avènement du numérique, la couleur parait inévitable.

MR: A l’inverse de la couleur, je trouve qu’ il y a quelque chose dans le noir et blanc de la réalité plaqué contre un mur et projeté à la bombe atomique qui est beaucoup plus parlant. La couleur reste trop illustrative.

Technikart: Qu’est-ce que ce périple vous a apporté humainement?

MR: Des problèmes! (rires)

C-AH: Sans vouloir paraître cynique, je ne suis pas un chantre de « On a rencontré des gens, c’était merveilleux, les marchés sont colorés, etc...». Mais il se trouve qu’on a rencontré des gens géniaux. Le fait d’être débranché au bout de 40 km et de prendre un autre rythme et de commencer à être ultra sensible à mon environnement a été une expérience humainement encore plus gratifiante.

Technikart: Vous définiriez-vous comme des artistes ou comme des photographes documentaires?

C-AH: Je ne crois pas que ce soit un travail de documentaire dans la mesure où certaines images et certains commentaires contiennent une grande part de fiction. Je dirais que s’apparente d’avantage à une expérience artistique, mais pas à prendre au sens plastique et formel. Pour rejoindre Kerouac, cette expérience de la route, cet état de déconnexion a permis de faire des images, d’écrire de rendre compte d’une certaine réalité dans une certaine mesure.

MR: Pour faire simple conceptuellement c’est un travail d’artiste, formellement un travail documentaire.

C-AH: Globalement on a pas trop de revendication sur le documentaire ou sur une éventuelle approche journalistique. On a déjà essayé de le faire…

MR: … et à chaque fois on s’est fait allumer!

C-AH: C’est quelque chose qu’on sait faire, qu’on aime faire et qu’on fait. En plus, et ça tu l’as sûrement remarqué, on aime bien faire les choses dans une certaine bonne humeur et avec générosité. On aime écouter de la musique à fond, picoler, rencontrer des gens. Le bouquin ne contient qu’un dixième de ce qu’on a vécu. Idem avec notre méthode de travail.

Technikart: Vous avez d’autres projets en commun?

C-AH: Un docu-fiction à Berlin est en cours. Matthieu est déjà reparti en repérage photos autour du mur et moi je pars très prochainement faire un repérage texte. Ça prendra la forme d’un livre, mais cette fois on inversera la quantité texte-image.

Technikart: Quel regard portez-vous sur votre travail et vers quelle réflexion aimeriez-vous aller?

C-AH: Ce n’est vraiment pas contre toi, mais c’est le genre de question qui ne m’intéresse pas.

MR: Hé, tu pourrais être gentil avec la demoiselle!

C-AH: Il n’y a rien de personnel. Simplement, ça m’importe peu de savoir dans quelle ligne je vais me mettre. Le plus important étant de continuer et de faire les choses avec à chaque fois un peu plus de maturité.

MR: Je rejoins ce que tu dis. Je ne sais pas où cette méthodologie me mènera, mais je reste persuadé que l’idée d’aller quelque part et de récolter tout ce que je trouve peut aller très loin. Je ne sais pas si ça à avoir avec le pèlerinage, le déplacement voire l’hypnose, mais ça peut m’apprendre de la réalité de moi-même et des autres.

C-AH: J’ai découvert une citation de Julien Gracq à l’âge de 17 ans et qui dit en gros « Tant de mains pour transformer ce monde et si peu d’yeux pour le regarder ». J’ai juste envie d’être face au monde et de le regarder.

Texte et propos recueillis par Fanny Menceur.

Matthieu Raffard, Albéric d'Hardivilliers, Nationale 7, Un road-trip à la française, (2008) éd. Transboréal.

DENIS SANS DENI // Article paru sur Technikart.com // 13 mai 2008

2009-10-06T03:01:00.021+02:00

__« A un moment donné,__ j’ai jugé nécessaire de mettre la plume dans la plaie, celle de l’argent et des multinationales car j’estimais qu’il était de mon devoir d’écrivain de dire les choses. En traversant le miroir, j’ai été propulsé malgré moi dans une surexposition médiatique. Aujourd’hui, Une Affaire Personnelle me permet d’évacuer cette histoire au plus vite ». C'est ainsi. Les vrais combats doivent s'exprimer dans l’écriture. Là où il n'y a besoin ni des studios, ni des journalistes et encore moins de liasses d'euros pour atteindre le but que l'on s'est fixé. C’est de cette conviction que le septième roman de l’écrivain Denis Robert, Une Affaire Personnelle, trouve tout son sens.

Journaliste atypique, passionné de faits divers obscurs et de scandales politico-financiers (Longuet, Villemin, Clearstream), Denis Robert est aussi un auteur prolifique qui aiguise depuis près de vingt ans une « griffe » romancière caractérisée par des mises en scène sobres et une plume acérée (Chair Mathilde en 1991 , Le Bonheur en 2000, Une ville, en 2003...). Deux livres sur Clearstream plus tard, Révélation$ et La Boîte Noire, Denis Robert ressent le besoin d’évoluer et change de registre en s’attelant au récit autobiographique.

En se fixant devant le miroir, Denis relate les phases marquantes de sa vie à coup de dates et de faits où l'on croise pêle mèle : Sa famille, sa passion pour l’écriture, sa carrière journalistique, avec en toile cette obsession personnelle de vouloir s'acharner décrire le monde tel qu’il est. Il y revient aussi sur « l’Affaire », celle de Clerastream, « qui lui mange la vie et le cerveau » et lui a valu sept années de persécution judiciaire quotidienne dont une mise en examen pour recel de vol et recel d’abus de confiance. Son crime ? Avoir apporté la preuve que certaines transactions financières provenant de cette chambre de compensations étaient, disons, quelque peu douteuses.

En sortant victorieux des procès en chaîne intentés par Clearstream et grâce au soutien d’un Comité à l’initiative du dessinateur Rémi Malingrëy, Denis Robert enfonce le clou. Menacé, censuré, voire discrédité par certains confrères, victimes consentantes d'un système médiatique gangrené (remember Les articles du Monde à son sujet), Denis Robert trouve enfin dans ce récit autobiographique une tribune. L’endroit idéal pour exprimer tour à tour ses fantasmes, « Je rêve d’un monde où les avocats des multinationales seraient foudroyés dès qu’ils diraient une connerie » comme ses convictions : « Ce qui compte c’est dire le secret tout doucement au creux de l’oreille et laisser faire le temps et les méninges. Si le secret est un vrai secret, si je ne trompe pas les gens sur la qualité de mon secret, je pense qu’il fera son bonhomme de chemin » et ses appréhensions « J’explore des espaces sans limites. Je suis dans le ’no man’s land’ et je sais que ça peut mal finir ». Au delà de son cas personnel, Denis plaide pour une résistance collective à « la parade grotesque » de certains journalistes qui face aux réels pouvoirs qui contrôlent notre monde courbent l'échine puis vont gentiment se coucher.

Probable qu'il serait judicieux d'étudier ce texte dans les écoles pour que les futurs gratte-papier puissent prendre la mesure du nécessaire sacerdoce que doit être le journalisme. Car la situation générale, selon Denis Robert, n'a rien de réjouissante. « Il subsiste bien sûr des journalistes, nombreux qui se bagarrent au quotidien (…) pour faire passer leur sujet sur telle ou telle affaire, mais ressemblent de plus en plus à des Indiens (...) La génération qui arrive a besoin de bosser. La sélection à l’entrée des écoles de journalistes est aujourd’hui statistiquement plus difficile qu’en médecine. Plus de monde pour moins de places. Plus de pression et moins d’informations ».

Donneur de leçons Denis Robert ? Pas vraiment, non. Son propos n’est en rien propagandiste ou politique. D'ailleurs, en y regardant de plus près Une Affaire Personnelle est en fait une véritable oeuvre littéraire dans ce sens où l'auteur y modifie subtilement les dispositifs habituels de l’autobiographie en inversant les proportions entre confessions, mémoires et critiques. Si la tension liée à « l’Affaire » y est omniprésente Denis Robert semble avant préfèré s'attarder dans le récit de ses sentiments et de ses impressions, tout en évitant l’écueil du sensationnalisme ou de la sensiblerie, le tout dans un style direct et souvent caustique. « Pour moi c’est plus qu’une autobiographie. C’est un livre avec une vraie construction littéraire ainsi qu’une réflexion sur l’écriture, la vie et la mort. En raison de la complexité de ma vie, des procès et de la succession d’ennuis que j’ai pu avoir, je n’arrivai pas à m’isoler pour écrire autre chose. Aller dans cette direction m’était vitale ». «Une affaire personnelle» en quelque sorte. A ceci près qu'elle nous concerne tous.

Texte par Fanny Menceur

Denis Robert, Une Affaire Personnelle, 2008, Flammarion.

EN DIRECT DE MAI 68 // Article paru sur Technikart.com // 29 avril 2008

2009-10-06T02:28:00.017+02:00

Tous les matins, la chroniqueuse mordante de France Inter Caroline Cartier compose des instants de vie captés sur le vif. À l’occasion du quarantième anniversaire de Mai 68, cette adepte des sons improbables assure avec brio la mise en scène sonore deCocktail Mol6T8V, un double CD qui retrace le dernier élan libertaire qu’ait connu la France.

La bande originale de la vie

Depuis 2004, Caroline Cartier écume avec son micro les lieux qui font l’actualité pour collecter des portraits et saisir des ambiances singulières. Un élève de CE2 qui donne son avis sur la grève, une voiture qui démarre. Un sans-papiers malien en France depuis dix ans, une porte qui claque. Un malade du sida qui refuse de se soigner, un silence. Le son dans « Cartier Libre » n’a rien d’un simple habillage censé enjoliver la fadeur des mots. Chaque matin à 8h56 pétante et en seulement trois minutes de sons bruts, sans interview, ni voix off, Caroline Cartier réussit à imposer un ton décalé où le fond (l’actu) et la forme (le son) ne font qu’un. Résultat : une chronique insaisissable, en marge de la ligne éditoriale de France Inter. En revendiquant le droit à la subjectivité, et à son corollaire, la partialité, Caroline Cartier pose un regard incisif mais toujours sobre sur tout ce qui l’entoure et introduit, de ce fait, une forme d’honnêteté dans le champ de l’information. Autant dire que dans le brouhaha médiatique moderne cet instant de poésie urbaine apporte une réelle bouffée d’air frais.

« Dans certains cas il faut savoir désobéir »

Aujourd’hui Caroline vient de terminer Cocktail Mol6T8V, un double cd qui nous plonge au cœur des évènements de Mai 68. L’atmosphère empuantie par les gaz lacrymogènes et les policiers ratissant le boulevard Saint-Michel y côtoient les rythmiques irascibles des Yardbirds. Cocktails Molotov contre pavés arbitrés par les guitares foudroyantes des Steppenwolf. Les discours politiques et les bulletins d’informations font échos à la gouaille de Dutronc. « Dany le rouge » et la rébellion étudiante sont mixés sur fond de Velvet. Les voitures qui crament, les vitrines qui éclatent, les matraques qui fusent se mêlent joyeusement à la voix coloré et désinvolte de Jacqueline Taïeb quant plus loin l’embrasement des rues se superpose à la fougue lyrique de Claude Nougaro. Poème sonore et poème d’action, Cocktail Mol6T8V est sans doute le témoignage le plus vivant parmi l’avalanche de produits culturels labellisés Mai 68 qui encombrent nos rayons. Ce qui méritait bien une interview.

Technikart : Vous avez un parcours que l’on qualifie d’atypique.

Caroline Cartier : Mon parcours est un véritable sentier. J’ai fait des études de mathématiques que j’ai très vite laissé tomber avant d’obtenir un DEA d’histoire médiévale. Pendant un temps je gagnais ma vie en jouant du banjo. Sauf que ça ne me nourrissait pas. Alors un jour j’ai tapé à la porte de France Inter et je me suis retrouvé dans une équipe, avec un grand journaliste qui s’appelait Gilbert Denoyan. On m’a posé un Nagra sur l’épaule en me demandant de rapporter « une minute de poésie ». C’est comme ça que tout à commencé.

Technikart : Qu’est-ce qui vous a fait continuer chez France Inter?

Caroline Cartier : Je supporte difficilement la hiérarchie. C’est familial. Je peux bosser avec quelqu’un sans problème, mais pas pour quelqu’un. J’ai eu la chance de démarrer dans une radio totalement libre. On me demande souvent si je suis vraiment libre de toute contrainte. Je répond que la censure, c’est souvent de l’autocensure. Il suffit de ne pas y penser. Ça peut paraître inconscient, mais lorsque vous faites les choses pour vous-mêmes, sans vous préoccuper de ce qui serait le mieux pour faire adhérer un maximum d’auditeurs, le rendu n’en n’est que plus sincère et plus efficace.

Technikart : Comment procédez-vous pour capter les confidences de vos interlocuteurs ?

Caroline Cartier : Je ne vais jamais les voir en leur demandant ce qu’ils ont fait auparavant. Je vais vers eux en leur demandant simplement de me dire qui ils sont. En opérant de cette manière vous ouvrez une brèche car la personne est libre de dire ce qu’elle veut. Je ne vais pas à la chasse au scoop. Les gens le ressentent et n’ont pas peur d’être eux-mêmes. Je ne pose pas non plus de questions qui induisent une réponse. La question ouverte permet de mieux se raconter. C’est cette raison qui explique que pour trois minutes d’antenne je vais devoir accumuler énormément de prises.

Technikart : À la vue d’un micro tendu les gens ne se montrent-ils pas parfois réticents à se livrer?

Caroline Cartier : C’est une question de métier, mais c’est aussi le défi. En vous parlant, les gens ont tendance à oublier le micro. De mon côté, je ne prépare que très peu de choses en amont. Lorsque je vais voir des personnes qui ont vécu des choses lourdes comme un attentat par exemple, c’est pas pour autant que j’attend qu’ils me disent « Je suis triste » ou « Je suis malheureux ». Si ce jour là ils ont plutôt envie de raconter qu’il fait beau, qu’ils sont bien dans leur peau, c‘est d‘autant plus intéressant. Le mec qui me dit « Je souffre », ça ne m’intéresse pas. Le plus important c’est de ne pas arriver avec une idée préconçue. Vous voyez, c’est aussi simple que ça l’interview (rires).

Technikart : Parmi toutes les rencontres que vous avez faites, qu‘elle est celle qui vous a le plus marqué?

Caroline Cartier : Je serai tentée de dire toutes. Après il y a des personnes que vous avez envie de revoir, c’est sûr. Dire que j’ai envie rester en contact avec des SDF c’est un peu bateau, certes, mais c’est tellement vrai. Les rencontres les plus marquantes sont avec les personnes qui sont les plus éloignées de vous, les plus improbables. L’être humain est improbable. Si vous me laisser un peu de temps, vous allez me raconter quelque chose sur vous et j’en ferai une histoire qui vaut le coup d’oreille. Hélas, je n’ai pas toujours le temps de les revoir, alors on se téléphone à l’occasion. Mais bon, une chronique me demande en moyenne quinze heures de travail et je fais le mixage la nuit. Avec cinq chroniques par semaine, ce n’est pas facile de rester en contact avec tout le monde. J’ai aussi des amis et une vie privée à gérer! (rires).

Technikart : Au milieu des tirades d’intellectuels qui caractérisent la ligne éditoriale de France Inter, où situez-vous Cartier Libre? Ne vous sentez-vous pas trop en décalage?

Caroline Cartier : Ce qui est marrant, c’est que c’est une chronique qui passe tôt le matin. Elle est en décalage dans la mesure où son format composé de silences, de confidences, s’apparente plus à celui d’une chronique nocturne. Stéphane Paoli qui a programmé cette chronique durant les matinales disait d‘elle : « C’est comme un sas vers les informations ». C’est comme quand vous entrer dans une expo, dans lesquels il y a des tunnels noirs, la lumière vous parait alors plus intense. Au moment de la chronique, le temps ralentit, du coup les infos sons plus fortes.

Technikart : On dit que vous êtes journaliste, « chasseuse de sons », « électron libre du micro-trottoir ». Où vous voyez-vous dans le paysage journalistique français ? Plutôt en marge ?

Caroline Cartier : La meilleure réponse c’est le silence (rires). Honnêtement je n’en ai aucune idée. J’ai ma carte de presse mais je suis aussi intermittente du spectacle. J’ai la totale quoi! Je suis un peu tout et un peu rien.

Technikart : En marge de votre chronique, sort Cocktail Mol6T8V, un double CD sur Mai 68. Tout ce tapage médiatique autour du quarantième anniversaire de mai 68, vous en pensez quoi?

Caroline Cartier : Je pense que ça m’a donné l’occasion de faire des choses extraordinaires (rires). C’est le problème de tous les anniversaires. Les gens peuvent se lasser. En tout cas, j’espère que la compil va marcher car c’est une expérience qui s’est faite très sincèrement. En l’offrant à mes neveux de 15 et 18 ans leur réaction a été de me demander ce qu’était Mai 68. C’est fou! Les mômes ne savent ce que c’est Ok, Mai 68 n’est pas non plus l’évènement du siècle et il y a eut des évènements beaucoup plus intenses sur le plan international, comme ceux qui se sont déroulés au Mexique ou la mort de Martin Luther King. Mais, quelque part, ce fut le dernier acte de rébellion.

Technikart : Comment vous est venue l’idée d’un double cd ?

Caroline Cartier : Je ne suis pas à l’origine de la compil. C’est la maison de disque « Le Maquis » qui m’a proposé de faire quelque chose autour de Mai 68. Je me suis très vite rendue compte que c’était une évidence. Ce n’est pas une idée révolutionnaire, certes, mais personne ne l’avait fait auparavant. En plus l’accueil est dément. La compil est vendu dans vingt-cinq pays. Même les anglais en sont fans.

Technikart : Le double cd sort sous le label indépendant Le Maquis, un choix de votre part?

Caroline Cartier : Pas du tout. Je connaissais le label, dont je me suis prise d’amour. Ils sont courageux et prennent des risques depuis dix ans alors quant ils m’ont proposer de mixer le Velvet, Pierre Henry, Brigitte Fontaine, je me voyais mal refuser.

Technikart : Sur le double cd figurent des artistes aussi différents que, Jacqueline Taïeb, Pierre Henry, Dutronc, The Soft Machine… Comment avez-vous sélectionné les morceaux?

Caroline Cartier : Il y avait une grande playlist proposé par la maison de disque. Ensuite j’ai fait un choix organisationnel au compte goutte, parce qu’il fallait tenir compte des droits d’auteurs. Par exemple on a eu le Velvet et Pierre Henry à la fin. J’ai trié près de deux cent heures d’archives pour en avoir le suc. J’ai fait en sorte de respecter une chronologie. Le challenge était de trouver une cohérence à partir d’une compil contenant des morceaux très hétéroclites. Au départ, par exemple, je ne voulais pas que Paris-Mai de Claude Nougaro figure sur la compil.

Technikart : Pourtant le morceau est hautement symbolique.

Caroline Cartier : Je sais! je leur ai dit « Ah non! Nougaro c’est trop ringard ».

C’est le patron de la maison de disque, Pierre Adolphe qui a insisté pour que je l’écoute et là j’’ai du me rendre à l’évidence. Du coup, je ne pouvais plus rien rajouter. C’est le morceau de clôture idéal.

Technikart : Comment définiriez-vous le résultat?

Caroline Cartier : Avec la radio, je fais de l’éphémère, alors qu’avec cette compilation c’est du concret. C’est un objet qu’on met dans sa bibliothèque. C’est gratifiant, mais aussi un peu flippant. On me demande souvent des compils de Cartier Libre, mais je refuse systématiquement. J’aime l’idée que le message parte d’un seul trait sur les ondes.

Technikart : Votre chronique et Cocktail Mol6T8V, reflètent avant tout votre travail de journaliste. Y a-t-il une part d’autoportrait?

Caroline Cartier : Oui, dans la mesure où j’y mets un maximum de moi-même. Je choisis les choses qui m’émeuvent, qui me parlent. L’actu vous en faites ce que vous voulez. Personnellement, je lis les dépêches uniquement pour m’imprégner de ce qui se passe et trouver un angle. Ensuite je me l’approprie. Mes choix sont toujours politiques. En fait je crois que mon travail est tellement personnel, que quelque par tout ce que je fais est forcément autobiographique

Texte et propos recueillis par Fanny Menceur

Cocktail Mol6T8V (INA / Le Maquis)

Fanny Menceur

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